vr“复活”梵高?数字化美展的当下形态

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  一场没有梵高真迹的梵高展

   “心灵的畅想—梵高沉浸式体验展”于2019年6月22日在北京国家博物馆展出,历时三个半月,随着10月8号国庆假期结束,展览也拉上了帷幕。

  这是一种特殊的体验——

   站在沉浸式主厅中央,巨大的影像将你包围,梵高的画作在四周的墙壁上悉数“复活”:《花盆中的火荨麻》发芽长大,吐出一片片青葱又炽热的叶子;火热的《向日葵》微微晃动,伴着褐色投影的灯光迷幻又明艳;《玛格丽特在弹钢琴》,少女指尖在键盘上飞舞;《含香烟的骸骨》中,骷髅吞吐着一圈圈烟雾。麦田里的乌鸦黑压压成群飞过,盛开的杏花爬满了整个房间,大片花瓣洒落,地面上不断有雨滴溅出的一波波水纹,现场与影像配套的音乐环绕在耳边,时不时伴有梵高话语的朗读……360度全息全景超高清激光投影设备,超过二百幅授权的梵高画作全息视频影像作品,让这位后印象派艺术天才的作品在这个不大的展厅里有了全新的生命体现。

  

  

  

  (沉浸式主厅现场照片,第二幅图为《乌鸦群飞的麦田》,第三幅为《枝上杏花开》)

   离开沉浸式主厅,走进星空体验厅,你抬头便看到天花板布景的星星伴着梵高的《罗纳河上的星空》不断闪烁着,低头又见观众中的孩童爬上布景台伴着清脆笑声滑下的样子,满心梦幻感受。

  

   (星空体验厅)

   花瓶投影厅和纪录片放映厅的灯光被调成昏暗的棕褐色调,富于热烈旋律性的音乐伴着光影的跃动响起,强烈的视觉听觉冲击感向你袭来。

   走进还原梵高卧室的小屋,经典的摆置与配色唤起了你心中最浓冽的情怀,多想就这样在床上躺下做一个变身艺术家的大梦啊。

  

  (还原梵高的卧室)

   你突然发现这个梦也不是真的不可实现——踏进绘画互动展厅,你可以选取印有梵高作品轮廓的画纸,安安静静地坐下给画上色。你会看到长桌周围坐满了神情认真专注的小朋友,热情的光芒在他们眼中闪烁。

  

   (认真给图片上色的参与者们)

   最后是最受期待的VR体验区域,你排过长长的队伍坐到一个有体验器的可转动座椅上,带上头盔和耳机,一切画面就绪——

   开场图过后,耳边一句男声响起“欢迎来到阿尔勒的一天”——

   你在黑暗中睁开眼,首先出现的是梵高的一间小卧室。你摇摇摆摆地走下木质楼梯推开门,看到了这座南法小城早晨清新的光景。顺着画面中提示的方向偏头,你马上触发接下来的移动。

  从小屋出发,沿着小路向前,耳边的声音不断描述着路途中的一幕幕景象,到达特定的地点,便会有荧幕展示场景对应的作品。

   路过麦田,你会看到两个男人慵懒地躺在麦垛上,《午间休息》的画景便出现在一旁;再往前去,路边有一群乌鸦扑棱着双翅飞过,《乌鸦群飞的麦田》在此“诞生”;随后你穿进了森林,抬头就看到皎白明月与湛蓝夜空,环顾四周,青木色树枝和淡白的花芽尽收眼底。你穿过路旁梵高画中常见的丝柏树,站在高地俯瞰整个村庄。点点星光透过高树的映衬,一副《星月夜》便妙现于眼前。走进村庄,村民们聊天的身影缓缓地挪动着,温暖的路灯下,这个南法小城透露着温馨与宁静。你在一个街头右转,会看到点着黄色灯光的一家咖啡馆,那是有名的《夜间的露天咖啡座》。继续前进,便来到罗纳河畔,帆船停靠在河边,微凉的星子与河面上倒映的瓦斯灯映衬着,一对男女在夜空下携手漫步,这是属于《罗纳河上的星空》的浪漫。目睹了一切的诗意与悠然,你满足地走回小屋,阿尔勒的一天也于此结束。

  听听他们怎么说:VR展厅外观众的感受

   进入VR体验厅的过程中,本报记者与排队的观众聊了聊,发现当天观展的主要是两类人群。一类是带孩子观展,体验艺术展览氛围的家庭观众,另一类是对艺术以及科技介入艺术呈现有兴趣的青年观众。

   北京本地人刘女士趁着国庆假期带目前正在学习绘画的六岁半儿子前来观展,她介绍说“他(孩子)学的是传统美术,这次过来看这种有科技运用的艺术展,感觉挺神奇的,小孩子对画画兴趣也更浓厚了。”刘女士还补充道,过去带孩子看过其他传统形式的美术展,可能是孩子年龄太小或者展览形式不抓眼球,孩子表现出的兴致不大高涨。

   “对孩子来说,这种光影效果的呈现、画面的动态感,和看电影一样,视觉体验非常丰富,看完后留下的印象也很深刻。我们业余观众其实也不太懂艺术,就图个现场的观感体验。”

   刘女士还谈到平时自己的工作基本和艺术不挂钩,展是由孩子所在的美术学校老师推荐的,查阅相关资料后她觉得形式上的处理很新颖,就带着孩子过来观看了。

   当被问到更喜欢传统形式还是数字化技术的呈现形式时,刘女士觉得不能一概而论。“这和作品的内容关系应该也很大吧。中国传统的山水画美术作品我觉得就不太适合用过于技术性的形式处理。”刘女士觉得科技技术运用的艺术展是一种趋势,但主办方如果不注重内容与手段的结合,很容易让内核的东西缺失而使展览整体流于形式。

   VR体验厅外有一位带着相机不断调整角度,在摆满画作的长廊进行拍摄的男青年——陈同学,他就读于中国传媒大学,算得上典型的“文青”。他喜欢带着自己的佳能750D跑遍各种离学校不远的艺术展。这次来观展,不仅是因为喜欢梵高,更因为展前“VR技术应用”几个大字。

   “我知道之前国内也有过这种数字化技术介入的展览,而且也有以梵高为主题的,像‘不朽的梵高’,只不过在上海太远了去不成,这次的展刚好在北京,离学校近我就来了。”

   而对于整体效果的感受,陈同学表示VR技术运用的部分尚算新颖,但沉浸式主大厅内、星空体验厅内、纪录片放映室中、花瓶投影厅内的效果都远不如想象的精彩。

   “带上VR体验器之后的设计思路很赞,整个视野里重现了梵高的生活图景和绘画轨迹。通过转椅子可以改变视角,全方位看到整个画面,有一段时间我真感觉自己就是在田野里走路。不过不知道是为了契合印象派的整体观感还是技术的处理不成熟,我觉得欠妥的地方就是画面略显模糊,这一点会让人出戏。”陈同学在回忆VR体验时这样说道。

   对于其他展厅,他则毫不留情地指出,“大部分展厅呈现的效果无非就是画面跃动、灯光转换和音乐的配合嵌入。在没有任何真迹的情况下单纯玩技术总还是觉得少了点什么。”

  当被问及对于这一类被技术介入的艺术展的看法时,陈同学认为主次的关系需要厘清。他强调科技手段起的是辅助作用,不能喧宾夺主般运用得眼花缭乱而体现不出展览的主题。“就好比这个展强调沉浸式体验,在这样的前提下我觉得走技术和形式流派是没问题的,因为它强调的就是视觉体验。但如果展览本身侧重于普及梵高和他的艺术真谛,那是否该大量运用技术就值得考虑了。”

  科技走入艺术?看看他们怎么做

  脑太空:科幻VR展:2017年,国内首个VR展“脑太空”在广州横空出世,以科技为主题,以VR为媒介,向我们展示了随着科技快速发展可能引发的系列问题:22世纪的北京,被数字化后呈现给我们的记忆杭州,穿越时空的兵马俑,上下倒置的混沌世界……深刻的主题,极具感染的表现方式,让观者在震撼的同时产生对当下、对未来的思索;

  大英博物馆不久前3D技术复原的中国山水《秋林读书图》影片在大英博物馆亮相,这幅出自明代项圣谟的山水画在3D影片中灵动俊逸,悠然山水,跃出纸面,让人们身临其境,与画中人同游,于茅屋中读书抚琴,与山林飞鸟结伴相还,群山高耸,云雾浩渺,传统诗意生活似乎触手可及,让人们大呼过瘾。

  

   香港“身临·其境”画展:以沉浸式的体验,让观者行走于三维空间,欣赏立体画作,并亲身感受每一个笔触,见证每一幅画的产生。VR的应用打破了传统艺术的静止状态,在VR世界里,我们可以走进名画,感受星空的璀璨,品味蒙娜丽莎的微笑,走过梵高的日常轨迹。声与色的结合渲染出更浓重的气氛、打造出更加丰富的感官体验,让观者可以了解到作画者的落寞或热烈,感受到画中的宁静或苍凉,使画者的思想能够更好地传达给观者。

  亚洲数字艺术展:通过数字影像、数字交互装置、VR等多种科技手段表达出对于文化的理解与思考。

  101数字空间:将等离子屏幕嵌入墙内,装饰成画框样式,给观众以置身画廊的真切体验。

  米罗制造——梦幻版画体验展:采用汇集体感传感、色彩光学等多种高科技,且引入数字版画机。

  科技与艺术相拥,要“飞”还是要“废”?

   体感传感,色彩光学,感应技术,多屏幕投影技术,数字影像,数字交互装置,人工智能设备,虚拟现实……现代技术层出不穷,越来越多的艺术展览也与时俱进,积极引入新的技术与设备,提高展览的趣味性、互动性、沉浸感,带给观众强烈的感官刺激,这种创新,也吸引了更多观众乐于接触以往“高大上”、“有些晦涩”的艺术展。

  除了对艺术展现形式的创新性突破,科技对艺术资源的继承与保护也有非凡意义。2018年9月2日晚,一场大火使巴西博物馆2000多万件珍贵文物几乎全部付之一炬,有人哀叹“烧掉了一个国家的记忆与梦想”。在人们痛苦绝望之际,巴西国家博物馆和腾讯合作,共同发起面向中国全民的“数字化资料征集”活动,征集曾入馆参观的游客们留下的数字影像资料、文字记录等等,帮助巴西国家博物馆恢复被烧毁的记忆,重建一座“数字博物馆”,使之“从灰烬中重生”。

  然而,在科技走向艺术展览的同时,一定要警惕内容空洞化、同质化和过于商业化、娱乐化的问题。大多数观众与“技术”存在一定的距离,这一份“隔隙”所引申出的“不明觉厉”感,让越来越多商人打着“科技与艺术融合”的幌子,实际提供的却是质量低下的服务。由于门槛过低,市场上各种展览泥沙俱下。同时,有的主办方过于重视技术上的夺人眼球,导致展览内容华而不实,难逃流于形式的命运,甚至构成形式与内核相去甚远的尴尬局面。若观众在看完一场之后,只回忆得起感官上声光色的刺激(甚至连感官都没有兴奋感)而不能触及背后的思想内核,完全违背展览的初衷,才是真正地阉割了艺术的生命。

  那么对于各种艺术展览与科技趋于紧密相连的现状,若不要“废”,又如何“飞”?

  最简单的答案是:从定位出发。

  “数字化”美展着重于观众最直观的体验,光影与声音的整套配合、画幅动态的连续变化,引人入“画”;而传统美展偏重于观众在学术方向的深层感触,文字与承载着历史厚重感的真迹,斑驳而原始的色彩,引人入“化”。

  如展览将主题定位在趣味性与互动性上,将目的定为丰富观众的全方位体验,那么选择风格亲民的艺术形式(像近几年被如火如荼般搬上展览舞台的印象派画作),辅以声光技术,“沉浸式”体感便应运而生。从理想效果上看,顺势而上的还有“良好体验——兴趣萌芽——探究热情——深入研究”的一系列触发结果。

   事实上,关于什么样的作品适合什么定位,什么风格与流派能和数字化技术更好的相拥,也许永远都不会有也无须有一个准确的答案。借用木心先生一句话——“一入流派,便不足观”,前人开创的艺术流派不应成为我们的审美框架,更多艺术元素与数字化技术的交互碰撞正被期待着,也在路上。所有表观的形式或许都是殊途同归,内核始终存在而与介质无关,只愿入画的人不会被逼入化,欲入化的人看画也自成一境。

  采访:杨可可、贺子玉

  撰文:杨可可、贺子玉、姜一格

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