浅析钢琴演奏中乐句划分与呼吸处理 | 乐理知识

摘要:对于一部即将演奏的钢琴作品,除了在曲式结构等理论方面和创作背景上进行细致的研究之外,作为演奏者,更需要在乐句的划分及呼吸处理上下大力气。下面诺英德曼钢琴将简要介绍钢琴演奏中乐句划分与呼吸处理。

所有技术要素所构成的乐句都需要一条纽带有机的联系起来,组成生命的乐章,那就是呼吸。卓越的歌唱大师兼教育家培特罗托西在《观点》一书中说:“教任何乐曲时,教师都应当向学生指出哪里需要呼吸。”拉赫玛尼诺夫曾说:“在一首和谐而完整的音乐表达里,任何一个音乐的线条都不应该被拉得太长,超过它应有的长度。因此,在弹奏每个乐句的结尾时,身体和音乐必须同时做到一个自然的反应――呼吸,……呼吸使得我们带领聆听者在有准备的情况下进入一个乐句,也使得音乐的紧密度被完整且坚固地保持着,在某些乐段中,一连串的乐句进行,像过门般的带领我们走入另一个新的情绪里,这种过门的感觉,就像是通道上的一盏灯突然被打开如肖邦《F小调协奏曲》第二乐章第21小节里的E6大和弦,经过它的指引,音乐走向了另一个境界。”

一、钢琴演奏中的呼吸

表演实践的呼吸与生理系统的呼吸存在着区别。生理系统的呼吸是为了维持生物体机能所进行的必要活动。而表演实践的呼吸,即俗称的“范儿”,在弹拨乐、键盘乐中的演奏更多的体现为提手、落手。表演实践的呼吸作用最重要的功用在于为欣赏者、表演者提供了句读。在语言艺术中有句读,在音乐艺术中同样也有句读,而这只是表现手段上有所不同。在语言艺术中我们通过标点符号来实现句读。在传统观念中,权威理论认为,音乐主要是由音准、音时、音强、音色四大元素构成。笔者以为还应把呼吸加入,因为没有句读的文章让人产生歧义,而没有呼吸的音乐同样让人感到迷惑和不从容、不谐调。

表演实践的呼吸与生理系统的呼吸又存在着联系,从生理、心理的角度看这两种呼吸,钢琴演奏的技术性动作是一种肌肉活动,在演奏中演奏者的头颈肩臂肘腕手指要有机地配合。一般说来抬起臂膀常和人吸气在一起,缓慢的下键动作常和人呼气在一起。当然,各种心理因素容易造成人呼吸不正常,如果呼吸不正常就会紧张,人一紧张就缺氧而造成肌肉发酸就不能正常地抬臂下键,如:怯台、对意外出现的问题不知所措、对演奏曲目中某些难点有恐惧心理等都能引起生理上呼吸急促心跳加快而因此影响钢琴演奏的呼吸。所以在钢琴演奏中正确的呼吸有助于肌肉和心理的放松,是提高和发挥演奏技巧,正确贯彻演奏意图的一个重要的因素。

二、钢琴演奏中乐句划分与呼吸处理的重要性

我们知道,音乐是人类语言的高级状态,它同语言一样有着句子的长短之分,有抑扬顿挫的语气的变化,有表达一个中心思想的结构性和完整性。没有呼吸就没有乐句,没有起伏就没有了语调,也就没有了结构。在音乐中有乐句,乐句与乐句之间也有停顿与相连的问题,这里的停顿与连接就是我们所说的“气感”, “气感”即音乐中的“呼吸”。其中也包括轻重强弱。

基本乐句的划分,正确的呼吸的处理是技术领域中至关重要的基石之一,许多教材从最简单的儿童作品开始便注意了乐句与呼吸的教授,但遗憾的是很多大学生却忽略了这一基本要点,主要原因是长久以来均把乐句划分这种工作划归到理论分析的领域,目的是为了明确和声的走向。其实,乐句划分的另一个重要作用便是直接导致技术上的设计,即如何安排灵巧的手指,如何使手指更方便、顺畅地演奏,使手臂、手腕、身体更好的配合手指的运用。细致的乐句分析,把和声间的倾向感化作合乎逻辑的情感再现出来,是演奏者的重要任务。研究清楚乐句的走向,掌握好乐句间的呼吸才能进一步在动作上完善。

如《肖邦练习曲》op10No.9开始的第一段,共分四个乐句。单就技巧来讲不难,但要真正的把激动、不安、略带喘息的语境表现出来,就需要处理好单音奏法及乐句间的情感逻辑关系。右手开始的旋律由带连线的跳音构成,这里肖邦很巧妙地运用了连线加跳音来表达略带惶恐的情绪。前面四个音的断奏由整个大臂来完成,后面紧跟的十一个音,虽是断奏,但指法上却用了连奏的奏法,来暗示演奏者要一气呵成,直达乐句结尾的强音C。乐句由F音开始发展到顶点音bA至C音结束,开始的F音要充分运用整个手臂的力量,整个手臂要做好充分的准备,触键要深、沉、缓,下键后力量要柔和,充分地半跳跃式地转移到下一个音,如此直达乐句的顶点音降A,但一定要注意在第四个音即降B音结束时,心理上要有一个明显的呼吸来示意乐句进一步的发展,当达到高点音降A往下滑落至强音C时,在F音与C音之间应略有一丝缓慢,这里有一丝迟疑的表情,然后迅速奏出强C音。

由此可见一个完整的乐句又由三个较小的部件构成,这些较小乐句间的细腻的呼吸、心理变化是整个乐句的润滑剂,忽视了这其中的细枝末节,乐句就变得索然无味,只有将这些精巧的部分挖掘出来,整个乐句才能光彩迷人,从而使整个作品栩栩如生。所以,钢琴演奏中乐句划分与呼吸处理非常重要 。

三、在钢琴演奏中如何做好乐句划分与呼吸处理

1、注意谱例上的演奏标记,掌握好正确的演奏法。

一般来说,音乐中的乐句由长短、高低不同的音组成。有的乐句,特别是连奏的乐句往往由连线划分。但有的乐句不全是连奏,有断有连,或都是跳音,这要靠自己去感觉,去划分。在处理乐句时,要注意句头、句尾及乐句的高点。钢琴上的呼吸,由手腕的提起和下落来体现。另有时谱面上虽有明显的分句标记,但因其句式及情绪的需要其并不适宜做出明显的分句,机械地分句则会破坏音乐的完整性。如在演奏一句有几十小节场的大起大落的旋律时,其情绪及气势上需要一气呵成,就必须以缓慢而绵长的气息为根本,同样在需演奏情绪高涨、激昂或速度较快的一段乐曲时,其呼吸、气感也相应的加快,到高潮音也可呼吸得深一点。

又如有的连线划分,不一定说明乐句,连线之间也不需断开。其可根据节奏的律动作出处理。以《威尼斯船歌》为例。先处理强弱拍关系,并在一小节分成两组达到左右平衡。进一步的处理应以意境考虑。其伴奏音型比较平稳,可理解为水面平静、天气晴和;小快板的速度则表现了顺水行舟的感觉;节奏型为每小节两组,正合了双臂荡浆,船左右摇摆着前行的情状。弹时要身临其境,每三拍的第一指重音如浆插入水中,放下去,深进去;第二、三拍浆顺水而过,轻轻提起,从容舒缓,毫无匆忙感,安静而优美。

2、学会歌唱,培养乐感

气感的把握可通过歌唱感受。为了让学生找到乐曲的呼吸的感觉,可让其反复唱(把乐曲中的呼吸以非常夸张的形式唱出),加深体会。再运用到实际演奏中去。

许多伟大的钢琴家都注重通过歌唱来感受音乐的分句。1840年安东鲁宾斯坦在听了著名歌唱大师鲁比尼(1795-1854)的演唱后说:“经过伟大男高音鲁比尼的榜样启发,使我在演奏上形成了高尚而流畅的分句法的概念。”李斯特和肖邦也经常要求学生聆听歌唱家的演唱,并将声乐中的细腻分句运用到钢琴演奏中。现在很多学生拿到作品不做分析,不划分乐句,便开始了马拉松式的练习,工作做了很多,但作品的神韵依然没有抓住,演奏上乏善可陈,连流畅的快速跑动也失去了光彩。笔者认为,这是因为演奏者缺少内心的歌唱,没有乐感所致。

总之,相由心生,或悲或喜皆由心控,心动而气动,气动则力生,循环往复才造就了无穷的音乐变化。音乐上的感觉是无法用语言来描绘的,但技巧作为通向音乐神秘境界的必经之路还是有章可循的。乐句与呼吸作为在技巧处理上的不可忽略的一个重要环节,值得我们更用心地关注。音乐如流水,即必有方向,作为演奏者来讲,这个方向即如何设计我们的音乐,使它的流动带给我们更多的美感。一段优美的乐章要经由我们的双手进行再次的创作,把枯燥的和声通过我们的大脑进行有情感的逻辑设计再现出来,使之复活。规划好乐句,把握好呼吸的节奏,音符后面所隐藏的玄机和色彩斑斓的画卷才能一览无余,音乐所能触及到我们灵魂深处的妙用才可以展示出来。

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